Ενώ η Δύση έχει αρχίσει να αναγνωρίζει την καλλιτεχνική δεξιότητα που προέρχεται από την Αφρική, πολλά παρατεινόμενα στερεότυπα που δημιουργούνται από αποικίες συνεχίζουν να πλαισιώνουν την Αφρική ως αϊστορικό και εξωτικό, το οποίο είναι ιδιαίτερα επιζήμιο για την αφρικανική γυναίκα. Σήμερα, πολλοί γυναίκες Αφρικανοί καλλιτέχνες που έχουν ζήσει και δούλεψαν στην Διασπορά προκαλούν αυτές τις φανταστικές, καταπιεστικές αντιλήψεις των διάφορων αφρικανικών χωρών και των οργανισμών τους μέσω της τέχνης τους. Εδώ είναι πέντε γυναίκες καλλιτέχνες από τη διασπορά που πρέπει σίγουρα να γνωρίζετε περισσότερα.
Wangechi Mutu - Ιστολογία των διαφόρων κατηγοριών νεοπλασιών της μήτρας (2004) © Παίζοντας το μέλλον / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Η Wangechi Mutu γεννήθηκε στο Ναϊρόμπι της Κένυας και πέρασε την προπτυχιακή σταδιοδρομία της στην Ουαλία στη Cooper Union πριν μεταναστεύσει στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου κέρδισε το MFA από το Yale. Σήμερα ζει και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Από νεαρή ηλικία, ο Mutu εκτέθηκε στον τρόπο με τον οποίο ο δυτικός κόσμος υπερπροσπάθεσε την Κένυα να είναι ένα άγνωστο μέρος της μεγαλύτερης Αφρικής, αποτελούμενης από το Safari και τις παραδοσιακές «φυλές». Αντιμετωπίζει αυτό και άλλα μεταποικιακά ζητήματα στο έργο της, τα φωτομοντάζ της που είναι πιο γνωστά. Συνδυάζουν μελάνι, ακρυλικό και μερικές φορές λάμψη και μαργαριτάρια με εικόνες κομμένες από ταξιδιωτικά περιοδικά, πορνογραφία, περιοδικά αυτοκινήτων και διαφημίσεις για τη δημιουργία νέων ανθρώπινων μορφών. Οι τελικές εικόνες, όπως αυτές της Misguided Little Unforgivable Ierarchies (2005) και της Νύφης που παντρεύτηκαν την Καμήλα (2009), είναι φωτεινές και έντονες, όμορφες αλλά και ενόχληστες. Οι πρωτότυπες εικόνες έχουν μεμονωμένα περιβάλλοντα και προκαλούν διακριτές συνειρμούς. Όταν ενώνονται με τον Mutu, όμως, αντιπροσωπεύουν την αποικιακή κληρονομιά του πώς η Δύση αντιλαμβάνεται την αφρικανική ήπειρο ως «πρωτόγονο» καθώς και την υπερσεξουαλική αντικειμενικότητα του αφρικανικού γυναικείου σώματος. Η ομορφιά και η παράξενη συμπεριφορά προσελκύουν τον θεατή, ενώ οι λεπτομέρειες - οι γυναίκες που αποτελούνται από κεφαλές ζώων, διαγράμματα τράχηλου, μοτοσικλέτες και εκτεθειμένους κορμούς ενός μοντέλου playboy - προκαλούν και διαταράσσουν τη δυτική φαντασία που εξειδικεύει και αντικειμενοποιεί τον αφρικανικό πολιτισμό και σώμα.
Μικτή Ζωγραφική Μέσων - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Η Ghada Amer γεννήθηκε στο Κάιρο και έλαβε το MFA στη Ζωγραφική από την Villa Arson EPIAR το 1989. Αν και η Amer περιγράφει τον εαυτό της πρωτίστως ως ζωγράφος, το έργο της εκτείνεται και συνδυάζει πολλαπλά μέσα. Πιο συγκεκριμένα, χρησιμοποιεί κέντημα και κηπουρική, εργασία που τυπικά χαρακτηρίζεται ως οικιακή και θηλυκή και θεωρείται συχνά χόμπι και όχι τέχνη. Συνδυάζοντας το αποδεκτό καλλιτεχνικό μέσο ζωγραφικής με αυτές τις «θηλυκές δραστηριότητες» μαζί με τις συχνά ερωτικές απεικονίσεις του θηλυκού σώματος, ο Αμερ προκαλεί τις αντιλήψεις του θηλυκού έναντι του αρσενικού, της επιθυμίας και της αγάπης. Αμφισβητεί τις κοινωνικές προσδοκίες της αμιγούς φιγούρας που συγκρούεται με την αντικειμενικότητα και τη σεξουαλικότητα του γυναικείου σώματος. Σε δουλειές όπως το "Το τέρας" (2004) και το Knotty αλλά η Νίκαια, αμφισβητεί τη σχέση ηθικής και καταδίκης του σώματος της γυναίκας. Στο «The And The Beast» (2004) η Amer απεικονίζει την αυτο-θυσία της φιγούρας του Bell και άλλων πριγκίπισσες της Disney που αυνανίζονται με ακρυλικό και κέντημα σε καμβά, που απαιτεί την απελευθέρωση μορφών που είχαν προηγουμένως συγκρατηθεί για την ηθική συμπεριφορά τους άνθρωπος - απουσία της σεξουαλικής επιθυμίας. Τους κάνει πιο ανθρώπινους, δίνοντας στα κορίτσια υγιέστερα πρότυπα.
Ato Malinda Εγκατάσταση © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Η Malinda είναι ένας καλλιτέχνης ερμηνείας που μεγάλωσε στην Ολλανδία, τις Ηνωμένες Πολιτείες και την Κένυα. Αν και μεγάλωσε μακριά από το έθνος της, πολλές από τις παραστάσεις της δουλεύουν μέσα σε ένα Κένυα ή ευρύτερο αφρικανικό πλαίσιο. Πολλά από τα κομμάτια της δίνουν μια ματιά στην μεταποικιακή πολιτική μέσα στη χώρα, όπως η Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), η οποία αντιδρά στην παραποίηση της ομοφυλοφιλίας στην Κένυα. Στην παράσταση, η Malinda είναι μέσα σε ένα μαύρο θάλαμο που μόνο ένας θεατής μπορεί να εισέλθει σε μια εποχή, όπου στηρίζεται στις συλλεγμένες ιστορίες του queer στο Ναϊρόμπι. Η οικειότητα διατηρεί την ιδιωτικότητα των ανώνυμων φωνών, ενώ παράλληλα επιτρέπει τη συζήτηση εκείνων που συχνά σιωπούν. Πολλά άλλα έργα επικεντρώνονται επίσης στην αφρικανική ιδιοσυγκρασία, όπως η παράστασή της, το θρίαμβος ενός ζωντανού άνδρα (2013), το οποίο είναι ειδικό για το δυσλειτουργικό σπίτι της παιδικής ηλικίας, αλλά μιλά και για μεγαλύτερα θέματα της απόδοσης των φύλων και της σεξουαλικής κακοποίησης μέσω της χρήσης του χρώματος, τη γλώσσα και τις εγχώριες δραστηριότητες που γίνονται διεστραμμένες. Και στα δύο αυτά κομμάτια υπογραμμίζει τις τοπικές φωνές του φεμινισμού και της κοινότητας LGBTQ, δίνοντας μια πλατφόρμα σε αυτές τις ιστορίες που επισκιάζονται από τον λευκό φεμινισμό της Δύσης. Ο τρόπος με τον οποίο το κοινό συχνά αναγκάζεται να αλληλεπιδράσει με τον καλλιτέχνη και ο χώρος της απόδοσης συνδέει σωματικά το κοινό με τις ανθρώπινες εμπειρίες που εκπροσωπούνται.
Το στρατόπεδο Sokari Douglas © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Σάκαρι Ντάγκλας
Το Sokari Douglas Camp είναι ένας παραγωγικός νιγηριανός γλύπτης από το Buguma που σπούδασε στο Κολλέγιο Καλών Τεχνών της Καλιφόρνια στο Όκλαντ της Κεντρικής Σχολής Τέχνης και Σχεδίασης και στο Royal College of Art στο Λονδίνο, όπου και σήμερα κατοικεί. Τα γλυπτά της συχνά απεικονίζουν το Καλαμπάρι (την πόλη από την οποία έρχεται ο Ντάγκλας Κάμπι) μεταμφιεσμένες, πνευματικές ή ιέρειες. Κατασκευασμένο από χάλυβα και άλλα υλικά που βρέθηκαν, όπως δοχεία, σχοινιά και φτερά, συνδέεται και αντιπροσωπεύει τις ρίζες της σε αυτά τα στοιχεία. Εκθέτοντας σε ένα διεθνές ακροατήριο, τα γλυπτά του Douglas Camp εργάζονται για να αναδημιουργήσουν ξανά τον ιερό ρόλο των μάσκες που εμπλέκονται στη μεταμφίεση, οι οποίες συχνά εμφανίζονται απομονωμένες σε μουσεία. Τα έργα της μιλούν ειδικά στη Νιγηρία και το Καλαμπάρι. Ως γυναίκα, δεν επιτρέπεται να κάνει ποτέ τη μεταμφίεση, αφού αυτός είναι αυστηρά ο ρόλος του ανθρώπου στην κοινωνία. Με τη δημιουργία αυτών των μορφών ερμηνείας, ο Douglas Camp ασχολείται με την μεταμφίεση σε ένα επίπεδο το οποίο αρνείται σε αυτήν και σε άλλες γυναίκες. Επίσης, η συγκόλληση είναι συνήθως μια θέση του αρσενικού τεχνίτη. Με μια διπλή έννοια, τότε, αμφισβητεί συνεχώς τα όρια των φύλων που της επιβάλλει η παράδοση. Σε μεγαλύτερη εθνική κλίμακα, ο Douglas Camp απευθύνθηκε στη δολοφονία του Ken Saro-Wiwa από τη νιγηριανή κυβέρνηση. Ένας μη βίος ακτιβιστής κατά της Royal Dutch Shell Company και η έλλειψη περιβαλλοντικών κανονισμών της κυβέρνησης, ο Douglas Camp θεωρούσε το θάνατό του ως εθνική ντροπή και επέλεξε να την εκπροσωπήσει στο έργο του Alagba in Limbo (1998), το οποίο απεικονίζει την μεταμφιεσμένη Alagba που μεταφέρθηκαν ντροπιαστικά από δύο άνδρες των οποίων τα πρόσωπα εκφράζουν αγωνία.
Φωτογραφία από τον Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
