Με το εκλεκτικό συγκρότημα έργων τέχνης και εκθέσεων, το Μουσείο Μπρούκλιν είναι ένα μοναδικό μέρος, όπως η πόλη στην οποία φωλιάζει. Αναιρεί όλα τα στίγματα ενός παραδοσιακού μουσείου, χωρίς να ακολουθεί κανενός είδους γραμμική παρουσίαση, προσφέροντας έτσι μια πραγματικά μοναδική εμπειρία. Τα πάντα από την παραδοσιακή αιγυπτιακή και την αφρικανική τέχνη, μέχρι τη σύγχρονη τέχνη από τους σημερινούς καλλιτέχνες, μπορούν να βρεθούν καλύπτοντας τα δάπεδα και τους τοίχους αυτού του μουσείου. Με τόσο πολλά να δείτε και να κάνετε, εδώ είναι μια λίστα με δέκα ζωγραφισμένα έργα τέχνης που εκτίθενται σήμερα στο Μουσείο Μπρούκλιν.
KAWS (Αμερικανός, γεννημένος το 1974). ΜΕΤΑ ΤΟΝ ΤΡΟΠΟ, 2013. Ξύλο, συνολικά 216 x 176 x 120 ίντσες (548, 6 x 447 x 304, 8 cm). Μουσείο Μπρούκλιν. Δώρο προς τιμήν του Arnold Lehman, TL2015.27a-b. © Adam Reich Ευγενική παραχώρηση της Γκαλερί Mary Boone
KAWS: "Κατά μήκος του δρόμου"
Ο καλλιτέχνης με βάση το Μπρούκλιν, KAWS, ζευγαρώνει ποπ κουλτούρα με έργα τέχνης σε πολλά από τα έργα του, οπότε δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι κάνει το ίδιο και στο μεγάλης κλίμακας γλυπτό του, «Along the Way». Βρίσκεται σε ύψος δεκαοκτώ ποδιών, κατά μήκος της διαδρομής είναι ένα ξύλινο γλυπτό που απεικονίζει δύο πλάσματα που μοιάζουν με Mickey Mouse αγκαλιάζοντας ο ένας τον άλλον. Το KAWS προσεγγίζει το κλασικό πλάσμα κινούμενων σχεδίων με έναν δροσιστικό νέο τρόπο, διατηρώντας παράλληλα την ουσία του χαρακτήρα ζωντανή.
Φέρετρο με τη μορφή του πάνινα παπούτσι © Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
Φέρετρο με τη μορφή παπουτσιών της Nike
Αυτό το γλυπτό φέρετρο, κατασκευασμένο από Γκάνα καλλιτέχνη, Paa Joe, αποδεικνύει την παράδοση ορισμένων περιοχών της Γκάνα για την κατασκευή φέρετρων που αντικατοπτρίζουν τις προσωπικές ιδιότητες του νεκρού. Λέγεται ότι ο σκοπός αυτής της πρακτικής είναι να συμβάλει στην άνεση του αποθανόντος, καθώς μεταβαίνουν από τον έναν κόσμο στο άλλο, δίνοντάς τους κάτι οικείο ως παρηγοριά. Η σημασία αυτού του συγκεκριμένου φέρετρου, διαμορφωμένου σαν πάνινο παπούτσι της Nike Air Max 95, είναι να σηματοδοτεί τη νεωτερικότητα και την υψηλότερη θέση.
Γυναίκα στο γκρι, 1942 © καλλιτέχνης ή κτήμα του καλλιτέχνη Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
Γυναίκα σε γκρι (Femme en Gris)
«Γυναίκα σε γκρι (Femme en Gris)» είναι ένας από τους πίνακες του Pablo Picasso, που δημιουργήθηκε κατά την περίοδο του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Σε αυτό το συγκεκριμένο πορτραίτο, η γυναίκα έχει μεγάλη δυσανάλογη μύτη και στήθος, καθώς και κακοί οφθαλμοί, ενώ ένα γκρίζο και μαύρο καπέλο με φαρδιά μπορντούρα κοσμεί το κεφάλι της. Σύμφωνα με τους επιστήμονες της τέχνης, οι ακραίες στρεβλώσεις της γυναίκας που απεικονίζονται στην εικόνα είναι η αφαίρεση του Picasso από τη βία και την απόγνωση που ενθυλάκωσε τη ζωή εκείνων που ζούσαν στο Παρίσι όταν καταλάμβανε οι Γερμανοί.
Θρησκεία ενθρόνισε © Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
Θρησκεία ενθουσιασμένος
Αυτό το μεγάλο παράθυρο βιτρό της J & R Lamb Studios απεικονίζει την προσωποποιημένη θρησκεία, που βρίσκεται στο κεντρικό σημείο εστίασης του έργου τέχνης. Οι αρχάγγελοι Μιχαήλ και Γαβριήλ είναι από τις δύο πλευρές της «θρησκείας», που ενσωματώνουν τον Εκκλησιαστικό Συμμαχικό (ή το σώμα των χριστιανών στη γη που αγωνίζονται εναντίον της αμαρτίας) και η θριάμβος της Εκκλησίας (εκείνοι που βρίσκονται στον ουρανό). Τα ζωντανά χρώματα μέσα στο γυαλί έχουν ένα ζωντανό αποτέλεσμα, ειδικά όταν το φως λάμπει μέσα από αυτά.
Μόνιμη Γυναίκα, Συνδέοντας Κουλτούρες: Ένας κόσμος στο Brooklyn view view © JongHeon Martin Kim Ευγενική προσφορά του Μουσείου Μπρούκλιν
Μόνιμη Γυναίκα
Το 1912, ο γάλλος γλύπτης Gaston Lachaise άρχισε να σχεδιάζει γλυπτά εμπνευσμένα από τη μούσα και τη σύζυγό του Isabele Nagle. Το πιο διάσημο έργο του, «Μόνιμη Γυναίκα», απεικονίζει μια φοβερή γυμνή γυναίκα που είναι γλυπτή από χαλκό. Η Lachaise επικεντρώθηκε συχνά στην γιορτή της γυναικείας διάπλασης, χαράσσοντας τις γυναίκες με έντονη και έντονη παρουσία συνοδευόμενη από ευαίσθητα χαρακτηριστικά.
"Το πάρτι δείπνου." © Donald Woodman Ευγενική προσφορά του Μουσείου Μπρούκλιν
Το πάρτι δείπνου
Το «Dinner Party» είναι μια μόνιμη εγκατάσταση από την Judy Chicago που προβάλλει τη φεμινιστική τέχνη και η οποία τιμά σημαντικές γυναίκες στην ιστορία. Αυτή η τεράστια αίθουσα συμπονετών αποτελείται από 39 θέσεις με ζωγραφισμένες πλάκες από πορσελάνη, όλα με σχέδια εμπνευσμένα από την αναπαραγωγική θηλυκή ανατομία και κάθε μία δημιουργήθηκε σύμφωνα με το ύφος της γυναίκας που τιμάται. Κάθε μέρος έρχεται πλήρης με κεντημένους δρομείς τραπέζι, δισκοπότηρα και ασημικά, όλα διατεταγμένα σε ένα γιγάντιο τριγωνικό τραπέζι. Στο κέντρο της αίθουσας, ονόματα επιπλέον 999 γυναικών είναι γραμμένα σε χρυσό πάνω στα λευκά πλακάκια στην κορυφή των οποίων βρίσκεται το τραπέζι. Συνολικά 1.038 γυναίκες γιορτάζονται στη φεμινιστική εξουσιοδοτημένη έκθεση.
"The Spacelander" © Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
Ο Spacelander
Ο βρετανός βιομηχανικός σχεδιαστής Benjamin Bowden σχεδίασε αυτό το σπάνιο ποδήλατο το 1946. Ως τμήμα του φουτουριστικού στυλ του, το ποδήλατο αποτελείται από υαλοβάμβακα αντί του τυποποιημένου αλουμινίου, καθιστώντας το πιο εύθραυστο από το κοινό ποδήλατο. Ο Spacelander δεν τέθηκε σε παραγωγή μέχρι το 1960 και ήταν εμπορικά ανεπιτυχής. Ωστόσο, έγινε δημοφιλές στοιχείο του συλλέκτη γύρω στο 1980. Το όνομα συνέπεσε ωραία με τον ανταγωνισμό που συμβαίνει κατά τη διάρκεια του Ψυχρού Πολέμου μεταξύ των Ηνωμένων Πολιτειών και της ΕΣΣΔ να είναι ο πρώτος που θα εξερευνήσει το διάστημα. Λόγω του περιορισμένου αριθμού των κατασκευαζόμενων πρωτοτύπων (υπάρχουν περίπου 500 περίπου), έχει καταστεί ένα από τα πιο περιζήτητα βιομηχανικά σχέδια στο μέσο του εικοστού αιώνα.
Stephen Powers (Αμερικανός, γεννημένος το 1968). Stephen Powers: Το νησί Coney εξακολουθεί να είναι όνειρο (σε γλάρο) (λεπτομέρεια), 2015. © Jonathan Dorado, Μουσείο Μπρούκλιν Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
Coney Island: Όραμα ενός αμερικανικού ονείρου, 1861-2008
Αυτή η έκθεση αποτελείται από περισσότερα από 140 αντικείμενα που εξερευνά την ιστορία του Coney Island ως δημοφιλή προορισμό και μοντέλο αμερικανικού πολιτισμού. Αποτελείται από εκτυπώσεις, πίνακες ζωγραφικής και ακόμη και αντικείμενα λούνα παρκ, όπως τα ζώα carrousel. Αυτή η έκθεση σας περιγράφει τους πολλούς μετασχηματισμούς που έχει υποστεί το Coney Island κατά τα τελευταία 150 χρόνια, συμπεριλαμβανομένης της παρακμής και της αναβίωσης, καθώς η κοινότητα γύρω από αυτό συνεχίζει αναπτύξουν και ευδοκιμήσουν.
Πηγαίνω
Ο Kehinde Wiley είναι σε μεγάλο βαθμό γνωστός για τα ιδιαίτερα ρεαλιστικά πορτρέτα μαύρων ανδρών που συνδέονται με τον πολιτισμό του hip-hop, σε αντιδιαστολή με τους παραδοσιακούς ευρωπαϊκούς πίνακες ζωγραφικής. Αντικαθιστά θρησκευτικά και ηρωικά ιστορικά στοιχεία με νέους Αφρο-Αμερικανούς, αμφισβητώντας έτσι τις τυπικές απεικονίσεις και αναπαραστάσεις των ανθρώπων του χρώματος. Στη μωσαϊκή οροφή με τίτλο «Πηγαίνετε», πέντε νέοι μαύροι, φοριούνται σε τζιν, μπλουζάκια, αθλητικά παπούτσια, μπότες του Timberland και μανίκια, φτάνουν μέσα από ένα μυράγγισμα νεφών που κρατούν αγγελικά όπλα, ενώ περικυκλώνονται αντικείμενα φωτοστέφανα τα κεφάλια τους.
Ο Stephen Powers ζωγραφίζει σε Σημάδια ICY, Μπρούκλιν, 2014. © Matthew Kuborn Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Μπρούκλιν
