Σε περίπτωση που δεν έχετε παρατηρήσει, το Λος Άντζελες γεμίζει με εκθεσιακούς χώρους. Η LACMA φιλοξενεί 100.000 έργα τέχνης, τα οποία την τσιμίζουν ως το μεγαλύτερο μουσείο στις δυτικές Ηνωμένες Πολιτείες. Το μουσείο άνοιξε το 1965 και εστιάζει στην έκταση της ιστορίας της τέχνης και του πλανήτη. Από πού να αρχίσω? Παρουσιάζουμε δέκα έργα που πρέπει να δείτε στο LACMA.
Γλυπτική γυναίκα με μαντήλι (1937) από τον Pablo Picasso
Ο Πικάσο ζωγράφισε αυτό το 1937 στην Ισπανία αφού ολοκλήρωσε το φημισμένο έργο του Guernica, το οποίο διαμαρτυρόταν για τον Ισπανικό Εμφύλιο Πόλεμο. Μετά από αυτό, ο Πικάσο μετατόπισε το στυλ ζωγραφικής του στο σουρεαλισμό, αλλά συνέχισε να ζωγραφίζει συχνά τη γυναίκα που έκλαιγε. Η γυναίκα που αιχμαλωτίζεται δεν αντιπροσωπεύει μόνο την προσωπική του αναταραχή, με πολλούς να πιστεύει ότι είναι ένα πορτρέτο της εραστής και της ερωμένης της Ντόρας Μάαρ, αλλά επίσης αποτελεί θύμα του πολέμου - μια γυναίκα και η μητέρα άφησαν με αγωνία την καταστροφή. Ο πίνακας είναι απίστευτα ισχυρός καθώς και προκαλεί σκέψη. Το μουσείο διαθέτει μια μεγάλη ποικιλία έργων του Picasso που εκτίθενται από πολλές διαφορετικές περιόδους, ώστε να μπορείτε να εξερευνήσετε τη συλλογή αυτού του σπουδαίου καλλιτέχνη.
Φωτογραφία από τον Daren DeFrank
Shiva ως Άρχοντας του Χορού (περ. 950-1000) από τον Tamil Nadu
Ο Shiva ο καταστροφέας και ο αναστηλωτής είναι ένας από τους τρεις ινδουιστές θεούς. Οι άλλοι περιλαμβάνουν τον Brahma the Creator και τον Vishnu the Preserver. Ο Shiva είναι ευρέως δημοφιλής και λατρεύεται σε όλη τη νότια Ινδία. Ο Σίβα είναι επίσης γνωστός ως θεός της γιόγκα και του κοσμικού χορού που δημιούργησε το σύμπαν σε συνεχείς ρυθμικούς κύκλους. Σε αυτή την απεικόνιση, ο Σίβα χορεύει γύρω από μια φλόγα που ανέβαινε από ένα βάθρο του λωτού που πολλοί θεωρούσαν σύμβολο της δημιουργίας. Το γλυπτό έγινε συμβολικό του ινδικού πολιτισμού. Το έργο καταγράφει τη χάρη του Σίβα και τη θεϊκή ενότητα. Το γλυπτό μπορεί να βρεθεί στον τέταρτο όροφο του κτιρίου Ahmanson και όταν το βλέπουμε κοντά, είναι εύκολο να δούμε την ισχυρή σημασία που είχε αυτό το γλυπτό στην ινδική κουλτούρα, καθώς και γιατί το κομμάτι γιορτάζεται σε όλο τον κόσμο.
Φωτογραφία από τον Daren DeFrank
Παίκτες (1899) του Thomas Eakins
Αυτός ο πίνακας είναι εύκολος να βρεθεί στη γκαλερί γιατί απλά απαιτεί την προσοχή σας. Ξαφνικά είστε τόσο αιχμαλωτισμένοι από την έντονη εικόνα που είναι δύσκολο να κοιτάξετε μακριά. Eakins θεωρείται ένας από τους μεγάλους ρεαλιστές Αμερικανούς ζωγράφους του δέκατου ένατου αιώνα, και είναι εύκολο να καταλάβουμε γιατί. Η ζωγραφική μοιάζει να συμβαίνει μπροστά σας με δύο παλαιστές που είναι συνυφασμένες με έναν αγώνα. Ο στόχος σε πολλά από τα έργα του ήταν να συλλάβει τον «ηρωισμό της σύγχρονης ζωής», και συχνά περνούσε ώρες δημιουργώντας αυτές τις στιγμές. Θα είχε συχνά δύο αθλητές να παλέψουν γι 'αυτόν και στη συνέχεια να καθορίσει ποια θέση βρήκε πιο στιλιστικά ενδιαφέρον. Αυτός ο πίνακας είναι επίσης ο τελευταίος που ολοκληρώθηκε στο θέμα της ανθρώπινης μορφής και τελείωσε προς το τέλος της καριέρας του. Θεωρείται αντιπροσωπευτικό των δικών του απογοητεύσεων με τη ζωή. Ο πίνακας είναι σίγουρα δέος. Ποιος ήξερε ότι η πάλη με τους δαίμονες μπορεί να είναι τόσο όμορφη;
Φωτογραφία από τον Daren DeFrank
Τρεις Quintains (1964) του Αλέξανδρου Calder
Αυτό το γλυπτό είναι μοναδικό όχι μόνο για τα σχεδιαστικά στοιχεία του έργου των Τριών Κουιντάνερ του Αλέξανδρο Κάλντερ, αλλά και επειδή το κομμάτι δημιουργήθηκε για το μουσείο. Πριν ανοίξει το μουσείο, δημιουργήθηκε μια επιτροπή για να αποκτήσει μια γλυπτική κρήνη για την τοποθεσία. Το μουσείο πρόσφερε την επιτροπή στον Calder, ο οποίος συμφώνησε τον Ιούνιο του 1964. Ο Laurelle Burton, ο οποίος ήταν τότε πρόεδρος του Συμβουλίου Μουσείου Τέχνης, δήλωσε: «Για να έχει ένας άνθρωπος με την ανάδειξη του Alexander Calder να είναι ο πρώτος που σχεδιάζει ειδικά ένα γλυπτό για το νέο μουσείο θα θέσει τα πρότυπα για τις μελλοντικές προσπάθειες, από τους καλλιτέχνες και τους δωρητές ». Το σιντριβάνι αποτελείται από απλές γεωμετρικές μορφές, χαρακτηριστικές του στυλ του Calder, που επιπλέουν στον αέρα και προωθούνται από πίδακες νερού. Το κομμάτι είναι ένα από τα λίγα σιντριβάνια που ο Calder δημιούργησε ποτέ. Το έργο βρίσκεται σε μόνιμη προβολή στον Κήπο των Στρογγυλών Τραπεζών του Διευθυντή.
Ημέρα λουλουδιών (Dĩa de Flores) (1925) του Diego Rivera
Ο Ντιέγκο Ριβέρα δεν χρειάζεται να εισαχθεί. Οι πίνακές του, σε μια ποικιλία μέσων, συμπεριλαμβανομένης της ακουαρέλας και του πετρελαίου, είναι παγκοσμίως γνωστά. Αυτός ο πίνακας είναι ένα έργο που πρέπει να δούμε! Το επίκεντρο της ζωγραφικής είναι ο πωλητής των κρίνων. Τα λουλούδια βλέπουν από ψηλά, η οποία είναι μια μοναδική προοπτική. Επίσης η σύνθεση του κομματιού είναι ενδιαφέρουσα γιατί οι μορφές είναι μπλοκαρισμένες με στυλ, κάτι που είναι μια τεχνική που ο Ρίβερα έκανε από την κυβιστική του ζωγραφική νωρίτερα στην καριέρα του. Αφού κέρδισε την πρώτη θέση στην Πρώτη Παναμερικανική Έκθεση ελαιογραφιών το 1925, αποκτήθηκε από το μητρικό ίδρυμα της LACMA το Μουσείο Ιστορίας, Επιστήμης και Τέχνης του Λος Άντζελες.
Ημέρα Λουλούδι Ντιέγκο Ριβέρα © Joaquin Martinez / Flickr
Πλακάκι με κυλίνδρους Floral Arabesque (15ος αιώνας), Μεγάλο Ιράν
Μέρος του εκθέματος της LACMA, Ισλαμική Τέχνη Τώρα - Μέρος 2, αυτό το κεραμικό κομμάτι χρονολογείται από τον 15ο αιώνα. Η έκθεση στο σύνολό της επικεντρώνεται στο συνδυασμό της παλιάς και της σημερινής τέχνης σε μια ποικιλία μέσων και θεμάτων. Αυτό το κεραμίδι ανήκει στον κανόνα Timurid στο Ιράν και την Κεντρική Ασία. Τα κτίρια που χρηματοδοτούνται από το Timurids είναι συχνά διακοσμημένα με διακοσμητικά κεραμίδια όπως αυτό. Τεμάχια του κεραμιδιού κόπηκαν από διαφορετικά σύνολα πλακιδίων, με μια σειρά από διαφορετικά χρώματα, για να δημιουργήσουν ένα ψηφιδωτό που θα ένωσε τους άλλους στη δημιουργία ενός πολύπλοκου σχεδίου στο εξωτερικό των δομών. Αυτό που είναι πιο εντυπωσιακό σε αυτό το κομμάτι είναι ότι παρά την ηλικία και τη φθορά του κεραμιδιού, τα χρώματα του χρόνου παραμένουν ακόμα ζωντανά.
-
- Πλακάκια © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) του René Magritte
Όχι μόνο αυτός ο πίνακας θεωρείται ένα από τα σουρεαλιστικά αριστουργήματα του René Magritte, είναι επίσης αναγνωρισμένο ως μια εικόνα της σύγχρονης τέχνης. Ο σουρεαλισμός ήταν ένα ύφος της τέχνης που εφάρμοσε έντονα τις επιρροές της από τη φροϋδική ψυχολογία. Συμβολίζει μια αντίδραση ενάντια στον «ορθολογισμό», τον οποίο πολλοί πίστευαν ότι συνέβαλαν στον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο. Οι ζωγραφικοί πίνακές του είναι τα παραδείγματα της αδυναμίας συνδυασμού λέξεων με εικόνες και αντικείμενα. Ο Μαγκρίτ είχε δουλέψει στη διαφήμιση, καθώς ήταν και καλλιτέχνης, και η ζωγραφική εμφανίστηκε αρχικά απλοϊκή - σχεδόν πουλούσε τον σωλήνα που απεικονίζεται στο κομμάτι. Ωστόσο, κάτω από τις λέξεις διαβάστηκε «αυτό δεν είναι ένας σωλήνας», ο οποίος αρχικά προκαλεί σύγχυση. Το σύνθετο στοιχείο είναι ότι ένας πίνακας ενός σωλήνα δεν είναι στην πραγματικότητα ένας σωλήνας, αλλά απλώς μια απεικόνιση ενός σωλήνα. Η χρήση του κειμένου στα έργα του θα συνέχιζε να επηρεάζει μια γενιά καλλιτεχνών με έννοιες, όπως οι Jasper Johns, Roy Lichtenstein και Andy Warhol.
Φωτογραφία από τον Daren DeFrank
Νεκρή φύση με κεράσια και ροδάκινα (1885-1887) από τον Paul Cézanne
Ο Paul Cézanne είναι γνωστός ως ένας από τους θρυλικούς μετα-ιμπρεσιονιστές ζωγράφους του 19ου αιώνα. Οι πίνακές του περιλαμβάνουν ποικίλα θέματα από τοπία σε πορτρέτα και νεκρές φύσεις. Οι εικονιστικές ζωγραφιές του με διαφορετικές ρυθμίσεις πίνακα είναι άμεσα αναγνωρίσιμες μέσα και έξω από τον κόσμο της τέχνης. Η Cézanne χρησιμοποίησε ζωντανά χρώματα και εγκεφαλικά επεισόδια για να συλλάβει την ένταση των εικόνων, η οποία αποτελεί παράδειγμα σε αυτή τη ζωγραφική. Οι απόψεις της ζωγραφικής ποικίλλουν. Τα κεράσια θεωρούνται από ένα πιο πάνω σημείο εστίασης, ενώ τα ροδάκινα, παρά την εγγύτητά τους, φαίνονται να φαίνονται περισσότερο προς μια πλευρική γωνία. Το γυαλί και το φύλλο συνοδεύουν το τραπέζι και είναι ρεαλιστικά και πιο αφηρημένα ταυτόχρονα, κάτι που είναι τυπικό για τον μετα-ιμπρεσιονισμό. Αυτό το κομμάτι είναι ένα κλασικό παράδειγμα του γοητευτικού στιλ του Cézanne και πρέπει να το δείτε μόνος του.
Φωτογραφία από τον Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) από τον Roy Lichtenstein
Ο Roy Lichtenstein είναι ένας από τους καλλιτέχνες που χρησιμοποίησαν εμπορικές εικόνες στο έργο τους και το μεταμόρφωσαν. Αυτά τα στυλ έγιναν γνωστά ως Pop Art και ήρθαν στη μόδα στη δεκαετία του 1960. Η χρήση έντονων χρωμάτων και γραμμών δημιουργεί εικόνες τύπου κόμικς. Το ακριβές σχέδιο τοποθετείται επίσης στον καμβά επίπεδη, σκοπίμως λείπει η χρήση της διάστασης. Επίσης, η παράθεση του κειμένου στο κομμάτι λέγοντας «Γεια σας» με την γυναίκα που κοιτάζει προς τα πίσω δημιουργεί μια ενδιαφέρουσα δυναμική. Χρησιμοποιώντας το στυλ που είναι γνωστό ως τελείες Ben-Day (εκτυπωτής), που είναι μια μηχανική διαδικασία που χρησιμοποιείται στην παραγωγή κόμικς, ο Lichtenstein δημιουργεί το δέρμα της γυναίκας με μια χειροποίητη ερμηνεία της τεχνικής.
